Hecho en Illustrator CS3.

El cuerpo del delito

Ayer, en algún no-lugar de la Internet, a alguien le pareció buena idea recordarnos a todos que el futuro está aquí. O que estamos viviendo en el futuro de acuerdo a Robert Zemeckis (y el judío ese de la película en la que jamás sale el bendito tiburón, ¿cómo se llama?). El punto es que desde muy temprano en Twitter, la red ideal para empezar rumores sin temor a que verifiquen tus fuentes, se corrió la voz de que el doctor Emmett Brown, de la trilogía de Volver al Futuro, había programado en el DeLorean el 5 de julio de 2010 a la 1:21 de la mañana como fecha de destino original. Claro está, en la película las cosas no resultan como se esperaba, Doc Brown y Marty McFly acaban siendo atacados por terroristas libios (vean la peli) y McFly acaba huyendo por accidente a 1955. 30 años antes de la fecha en que se desarrolla la historia.

Los siguientes 90 minutos se tratan de Marty evitando los cariñitos de su madre en los 50's.

El dato no se quedó en la simple cadena de texto (con todos sus RTs, repeticiones en otras redes y obvio status de trending topic). Efectivamente había circulado la captura del panel (circuitos del tiempo) del DeLorean que está al comienzo del post, y un video colgado en Vimeo que aparentemente ha sido retirado (según N. Larkin de WC). Pero no faltó quien hurgara en la videoteca y confirmara la verdad de Dios: Emmett Brown jamás viajó ni apareció en la pantalla la fecha, resultando las pruebas iniciales un buen trabajo de montaje fotográfico. ¿De dónde sacaron, entonces, precisamente esta fecha? Al parecer, según Tony del SciFi Blog, Christopher Lloyd/Emett Brown sí pretendía viajar a una fecha de 2010, 25 años después del momento en que ocurren la historia, pero jamás viajan a esta época ni introducen estos números en el tablero. Fusion Industries, un sitio bien old school dedicado a las películas, tiene los fotogramas y el resumen de la segunda parte.

¡Trata de photoshopear en calidad de VHS, hippie!

La única fecha futura a la que viaja el DeLorean es a un minuto después, haciendo la primera prueba con el perro de Doc, Einstein. En la segunda película  tampoco se viaja a 2010, sino al 21 de octubre de 2015. Esto es, 30 años después de los hechos, manteniendo la simetría con la primera parte. La razón de tanto alboroto: muchos crecimos viendo la trilogía de Volver al Futuro. Hemos visto las películas tantas veces que realmente creímos en un futuro donde las zapatillas se ajusten solas, no sean necesarias las pistas para los nuevos autos voladores, y sobre todas las cosas, todos podamos tener patinetas flotantes. Y es una situación jodida, porque dentro de cinco años de verdad vamos a mirar en retrospectiva y ver que, fuera de no tener el mundo que deberíamos haber tenido para entonces, va a ser demasiado parecido a 1985. Claro, que con menos mullets y más Internet. Fuera de eso:

• Seguimos dependiendo de combustibles derivados del petróleo, lo que nos lleva a tener el mismo modelo básico de automóvil con sólo cambios cosméticos o de interfaz. Lo más parecido es un DeLorean de madera que levita usando fluídos magnéticos.
• Aún no tenemos zapatillas autoajustables disponibles, pero Nike se está haciendo cargo. Ya tienen la patente y el diseño. Big deal.
• Por suerte no tenemos gorras tornasoladas. Pero igual que con las zapatillas, nadie se ha preocupado en hacer ropa inteligente.
• Pepsi sigue siendo más genial que Coca-Cola, aquí y en todo tiempo y lugar.
• La hoverboard o patineta voladora se encuentra entre la categoría de los prototipos casi-funcionales, la leyenda urbana sobre el producto real prohibido por las asociaciones de padres, y las imitaciones aparentemente comercializables.
• Las cirugías plásticas tal vez te permitan verte unos 10 ó 20 años menor de acá a cinco años. La medicina no parece estar en condiciones de prolongar la vida o dejarte como si de verdad te hubieras quitado 20 años de encima. Una por otra.
• A nivel social, en Estados Unidos la igualdad de oportunidades ha logrado llevar un afroamericano a la presidencia. Aunque no estoy de acuerdo con lo que hace ni cómo fue elegido, es una meta que tenían que alcanzar tarde o temprano.
• La comida deshidratada existe, aunque no se usa de manera cotidiana. La comida súper deshidratada sigue reservada para los viajes al espacio, y no creo que se pudiera vender bien.
• ¿Qué rayos era eso de lo que colgaba George McFly? Sólo digo… no nos apuremos en inventar eso.
• Otros inventos y avances de la película están más o menos logrados, como podemos ver acá. Videoconferencias, poderío asiático, publicidad, medios de consumo, videojuegos. Agregaría también la interconexión de aparatos dentro de la casa como una forma de Internet de objetos o redes domésticas inalámbricas. La electrónica no tiene las mismas restricciones que las industrias automotriz, textil, petrolera y farmacéutica, por suerte.

Mercenario amoral. Hablador compulsivo. Especialista en armas de filo y de fuego. Sentido del humor perverso, inoportuno, ácido. Quebrantador de la regla escénica de la cuarta pared. Ideal para un actor con las características cómicas y atléticas del próximo Linterna Verde, Ryan Reynolds. Claro, salvo por todo eso de haber sido un sujeto de pruebas con un factor autorregenerativo exagerado que cubre su cuerpo completamente de cicatrices. Pero es el papucho de Reynolds, así que lo más probable es que no veamos mucho del cara-de-pizza Wade Wilson.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas ha declarado ilegal y penado con multas millonarias cubrir el rostro de Ryan Reynolds. Estamos presentando una moción para hacer lo mismo con el busto de Scarlett Johansson.100% producto derivativo

Si XMO: Wolverine trataba del héroe que lucha contra su propia naturaleza y en el camino se ve envuelto en la red de intrigas y manipulaciones que busca ensamblar el arma viviente perfecta, el spin-off de Deadpool debería, siguiendo la lógica más básica indispensable, empalmar con el destino del pobre de Wade Wilson, que acaba decapitado y enterrado entre los escombros de la isla de William Stryker y el Proyecto Arma X. Aprendiendo de los errores de Elektra (¿alguien sabía, al fin y al cabo de qué se trataba Elektra en realidad?), la 20th Century Fox, que conserva los derechos de las películas relacionadas a los X-Men, desde el Profesor X hasta Doop, se ha asegurado de mantener a gente que guarda cierta familiaridad con el personaje y su historia para preparar el guión de este spin-off de spin-off.

Las Reglas de Zombieland

Los cerebros elegidos, después del voceo de David S. Goyer, son Rhett Reese y Paul Wernick, de quienes hemos podido ver el último año Zombieland. Y Zombieland es una gran película, llena de violencia, humor negro y elementos de cultura popular. Incluso comparte la ocasional ruptura de la cuarta pared y un buen manejo de la exposición sobre la marcha, indispensable para aclarar las complejidades que hacen a ‘Pool. Tampoco sé qué tan involucrados habrán estado, pero las Reglas de Zombieland fueron un golazo por donde las veas. Las habladurías de comienzos de año indicaban que el mismo Reynolds habría estado en contacto con los escritores, compartiendo ideas. Esto fue antes de que el trabajo de producción de Linterna arrancara.

Y ayer empezó a correr el rumor de que Fox había ofrecido la dirección de la película a Robert Rodríguez, quien actualmente debería estar terminando o haber terminado Machete y trabajar actualmente en Predators y una película más de Spy Kids. La noticia debe tomarse con escepticismo, dado que Rodríguez ya había rechazado ofertas como el remake de El Planeta de los Simios (aunque a muchos otros directores tampoco les ha convencido el proyecto), y a lo copada que tiene la agenda. Además, los X-Films desde X-Men 3 se han visto determinados por decisiones de directores de última hora. Matthew Vaugh estaba previsto en algún momento para hacerse cargo de X-Men 3 y XMO: Wolverine, y ahora se le vocea para X-Men: First Class. Lo mismo con Joss Whedon o Bryan Singer, por decir algunos nombres.

¡Si hasta se viste con los colores oficiales de DP!

Pero sólo por un momento imaginemos la posibilidad de una película escrita por Reese y Wernick, hecha por Rob Rod y protagonizada por Reynolds. Lo último que vi de Rodríguez fue Planet Terror, y me pareció una gran película, a pesar de que el género no era de lejos mi favorito. Pero la forma en que se manejó una situación catastrófica con escenas de acción alucinantes, capaz de meternos en planteamientos que en cualquier otro contexto no hubieran sido siquiera considerados para rodaje, y además esos detallitos de absurdo para darle color (la moto de Wray, ¡”EL WRAY”!). Si alguien tiene la magia para sostener la suspensión de la incredulidad al nivel necesario para hacer de un Deadpool una estoneada maestra y, dependiendo de variables del entorno, hacer que un personaje poco conocido supere el nivel de culto al que podría verse reducida, es Robert Rodríguez.

Planet Terror. También teníamos una propuesta que involucraba a Scarlett y ametralladoras, no pegó.

Dejo una idea: lo que Jon Favreau logró con Iron Man puede repetirse, y un estudio que maneja una franquicia tan importante como X-Men debe aplicar esa fórmula de respeto por el material de base, trabajando meticulosamente la historia y no permitir que se opaquen entre sí. Apenas han empezado a explotar el mundo mutante, y como fanboy quiero ver más.

(Esta y otras teorías al paso en Las respuestas a los WTF que nadie preguntó)

Anoche he tenido que esforzarme por quedarme dormido aún después de un largo día de trabajo. Aunque soy trasnochador, hoy me he sentido particularmente cansado y estresado sin explicación. Esta es mi propuesta para explicar lo que pasa con y cómo se consume la energía de uno a lo largo del día.

Mi hipótesis: Tanta exposición a pantallas luminosas, flujos de información apabullantes, aumentados por las características particulares de cada microecosistema en el que se convierte el hábitat del friki lo convierten a la larga en un parásito energético tetradimensional, robándose efectivamente vida del día posterior cada vez. Es mi historia y me quedo con ella.

En Ultimate Comics Mistery #4, última parte del primer tercio de la trilogía de Brian Michael Bendis, tenemos un guiño a Millar bajo la forma del bate de béisbol de Nick Furia. ULTIMATE Nick Fury. El más maloso de los buenos, y el único capaz de sacarle la verdad a golpes a... ¿Kilowog?

Bentley Wittman es un genio que intentó rivalizar con Mr. Fantástico, e incluso llegó a formar sus propios Frightful Four. Llamado El Mago (y antaño El Mago Sin Alas), se le terminaron de cruzar los chicotes y empezó a delirar en idioma súper-genial. Gran escena de Jonathan Hickman en un aún mejor Fantastic Four #579.

¡DEADPOOL! La introducción de Wade Wilson en DoomWar #4 es un homenaje triple a Stanley Kubrick, Jack Nicholson y Britney Spears. 'Nuff said.

Prometí gatitos. Gatitos manipulados genéticamente para confundir cazadores de mutantes. En X-Men: Blind Science, el Doctor Némesis, y autoproclamado líder del club científico de los X-Men, canaliza al Doktor Sleepless de Warren Ellis en su método e irreverencia.

Y hablando de gatos. Bueno, son cabezas de zombie demoníacas, pero si no entiendes la relación la relación que tienen con el NOM, necesitas un curso intensivo de webología. Viene de Marvel Zombies v5 #3.

Y porque los zombies siempre caen bien, dos bonus del Marvel Zombies vol. 5 #3. Para no dejarlos sin justificar, que queden como lecciones de referencia para cuando tengamos que volver a defendernos con arcos y flechas:

Nada asegura mayor precisión del disparo como guiar tú mismo la lanza con la pituitaria.

Ý el mejor método para ahorrar en munición. Sólo necesitas súper velocidad y blancos blanditos, fáciles de atravesar. Se recomienda moderada putrefacción (de la víctima) para mayor comodidad.

Sean frikis, mis amigos.

Vacíen tu mente. Libérense de las formas. Como un friki. Pon a un friki en una túnica y será un jedi. Ponlo en un uniforme de la Federación y será un trekkie. El friki puede buscar el Anillo Único… o puede ver la Matrix. Sean frikis, amigos.

Astonishing X-Men: Xenogenesis, de Warren Ellis, intenta contar una historia accesible tanto a lectores antiguos como nuevos. Como tal, cabe exponer algunos aspectos clave como la presencia de Emma Frost al lado de Cíclope en lugar de la clásica Jean Grey. Este diálogo con Wolverine resume todo. Bravo por Scott Summers.

New Avengers: Finale es el cierre del primer volumen, con unos sesenta y algo números. Y en ningún capítulo previo recuerdo que hayamos tenido a Bryan Hitch en los lápices, Count Nefaria de villano, y Ms. Marvel siendo tan hardcore.

En Second Coming existe la expectativa de ver qué pasa con Hope Summers: si hará resurgir a los mutantes, o provocará una catástrofe aún mayor que el Día-M. A mitad de camino (New Mutants #13), una buena pelea entre Hope y Dani Moonstar (otra pupila de Cable), sólo alimenta el suspenso. Y a todos nos gusta una buena catfight.

Y bueno, algo de Deadpool. Deadpool Team-Up #894 (la numeración va en reversa), el viejo Tan se roba nuestros corazones con sólo dos paneles y su "paracaídas de odio" (es decir, que no sirve para nada). Si Indiana Jones nos enseña algo, es dejar de confiar en mongoles/tibetanos/chinos que vuelan avionetas.

Cerramos con Incredible Hulk #609, en la alucinación de Bruce Banner sobre un futuro perfecto donde de alguna manera él logra matar a Hulk (o a un Hulk). ¿Dónde estaban los misiles de adamantium en World War Hulk? ¿Por qué parece estar intacto? ¿Servira fuera de la imaginación de Banner? Espero que sí. Toda la saga del Hulk Rojo ha sido entretenida, pero debería acabar ya.

Fijo para la otra semana: una viñeta Ultimate.

Flash es tan bueno que puede escapar a la Muerte, incluso de la muerte Flash.

Estaba revisando temprano este post de Smashing Magazine, donde se explica en realidad por qué toda la alarma que se había desatado ante la imposibilidad de ejecutar contenidos Flash había estado mal encuadrada y realmente era una cuestión de miopía nuestra. Deberían leer el post original para los detalles, yo me dedicaré a contextualizar un poco, para el archivo. Todo empezó cuando Apple sacó el iPod Macro, mejor conocido como iPad, a inicios de abril del 2010. La primera gran promesa, y la más fácil de cumplir, era tener una pantalla portátil, de fácil lectura e intuitiva con la cual navegar en la red, acceder a datos en la nube y otras tantas aplicaciones.

Con estas expectativas, extendidas entre un público más amplio que aquellos que adquirieron iPods o iPhones, una de las quejas más difundidas fue que el aparato no permitía ejecutar ningún contenido en Adobe Flash, que es hoy en día parte importante de millones de sitios web gracias a su versatilidad, facilidad de uso y vistosidad. El impedimento ya existía en los otros aparatos de Apple, pero recién estalló como gran debilidad para el iPad por su enfoque a la web . Y ahí empezó el intercambio de… bueno, una especie de intercambio. Supongo que así es como pelean los nerds corporativos.

Steve Jobs, como presidente de Apple y gurú de los usuarios de la manzanita, expuso sus motivos para mantener el iPad libre de Flash. Éstos incluían su percepción de que se trataba de un lenguaje cerrado, de propietario, que causaba problemas de memoria y consumo de batería, además de prestarse al desarrollo de aplicaciones de baja calidad. Argumentos curiosos si se considera el control obsesivo que ejerce Apple sobre sus dispositivos (oficialmente, no puedes instalar ni descargar nada que ellos no aprueben primero), que la calidad de un trabajo depende del autor y no de la herramienta, y que el resto de argumentos parecen más fallas del sistema operativo del iPad, como comentaría días después Shantanu Narayen, CEO de Adobe. Dicho sea de paso, hay una campaña muy divertida y amorosa de respuesta de Adobe ante las bravuconadas de Jobs.

"Amamos Apple (...) Pero no amamos que nos quiten la libertad de elegir qué crear, cómo crear y nuestras experiencias en la web"

Volviendo al artículo de SM, los puntos clave:

• La implementación del estándar HTML5, que hace innecesario el uso de un reproductor Flash para abrir contenidos en video, no es necesariamente un peligro para Flash, y ambos lenguajes ni siquiera deberían competir por un mismo lugar en la web (esa es una polarización derivada de los argumentos de Jobs).
• Flash no debería ser un estándar web, ni usarse por completo para el desarrollo web. Por un lado, tiene cabida en el ámbito corporativo, desarrollando aplicaciones y medios educativos, instructivos, de manejo de intranets. Es decir, sigue siendo un lenguaje potente, orientado a objetos y capaz operar con bases de datos y plug-ins. Una segunda gran posibilidad es el mercado de aplicaciones móviles. Además de las características mencionadas, un reproductor Flash compatible entre diversos sistemas operativos va a garantizar el mismo rendimiento en múltiples marcas y modelos.
• Android, de Google, está desarrollando un entorno de programación basado en Flash, Adobe ha lanzado el Flash Player 10.1 pensado para smartphones, y Research in Motion (Blackberry) también está colaborando activamente con Adobe. En otras palabras, hay planes futuros para sacarle el jugo a Flash a pesar de lo que en Apple quieran hacernos creer.

Justo anoche estaba curioseando sobre cómo desarrollar aplicaciones para mi Nokia 5800, que usa un SO Symbian, con la plataforma S60 5th Edition, al igual que otros smartphones de Nokia, Samsung y Sony Ericsson. Entre los lenguajes de programación a los que la comunidad de desarrolladores Symbian ofrece soporte están Java, .NET, Python, Ruby y Flash. De los cinco, al ya tener instalado el Adobe Creative Suite 3 ó 4, tengo la herramienta ya lista en mi computadora para empezar a producir mi idea. Eventualmente estaría lista para distribuir como un archivo SIS (de aplicación S60) entre tres muy importantes fabricantes de teléfonos móviles. Y como SWF, en cualquier teléfono con un reproductor Flash, sea Android, Windows Mobile, Symbian o RiM. Incluso el CS5 nos permitiría en un futuro cercano convertirla a aplicación Apple.

La interfaz de Adobe Device Central permite verificar el funcionamiento de las aplicaciones con diferentes fabricantes.

Para ver buenos ejemplos de aplicaciones desarrolladas en Flash (¡sólo piénsenlas sin tiempos de carga!), pueden ver Aviary Phoenix, YourMinis Do-It-All o en el apartado de blogs, Flash Applications Showcase y FlashLite en español.

Según la Wikipedia y el Proyecto Opte, así se vería la Internet.

El primero, o uno de los primeros posts de esta etapa irregular del blog, trató sobre el problema del control y la satanización de la piratería en la red. Hace dos años, me hubiera dedicado a predicar las maravillas de la web 2.0 y cómo el futuro del periodismo estaba en la participación ciudadana. Es más, a mediados del 2008 estaba buscando un planteamiento para una tesis de licenciatura en Comunicación que explote e innove en las herramientas de la Red (contaré lo que pasó con eso luego).  Los dos años anteriores, podría haber escrito párrafo tras párrafo sobre el futuro del blogueo, como si se tratara (y en el fondo lo es un poco) la reinvención de la imprenta. Y aún más atrás, muy probablemente era necesario explicar todavía la mecánica de los e-mails, el FTP, páginas de descargas, RealPlayer y MSN Messenger.

La conversación (hace casi nada que lo pensamos como una gran conversación) en Internet ha crecido en alcance de ser un tema reservado a los entendidos y los pocos aventureros que jugaban con las herramientas más superficiales, a ligarse a prácticamente cada aspecto de la actividad humana. En tanto podamos traducir y comunicar el mundo como información, vamos a poder usar la web como soporte. La relativa falta de reglas de juego ha ayudado a que esto ocurra, y los consecutivos intentos de controlarla han avispado a más de uno para mantenerla libre e independiente.

¿Qué ocurre hoy en Internet? De todo. Parafraseando a la Regla 34, que es otro fruto de la Red, si algo existe, está en Internet (y sí,  en algún lado hay porno sobre ello). Y es difícil encontrar un punto dónde fijar la atención estos días:

• Tenemos la red social (hablando de todas juntas), que probablemente es lo más fuerte en este momento, además de por su capacidad de feedback, por sus posibilidades en relaciones públicas y márketing en tiempos donde los soportes físicos pierden más y más tribuna y los anunciantes no se conforman con un banner o un pop-up fácil de bloquear. Son plataformas ideales para la convergencia de media y de las primeras páginas que visitan muchos usuarios cada día.
• Algunas empresas de software están más interesadas en implementar soluciones de cloud computing, para reducir la dependencia de los programas instalados y los archivos almacenados en cada terminal. Se me hace más conveniente tener cierta data en la nube en lugar de cargarla en memorias flash o conectar mi celular con un cable. Sin conectividad, es tiempo perdido.
• Tenemos file sharing y derechos de autor para rato. Las personas clave deben tomar conciencia de que no hay una guerra entre las industrias culturales y las redes P2P. Se debe conciliar, modernizar, eliminar intermediarios y facilitar el acceso. Y por el otro lado, formar conciencia en el usuario de que al final del proceso tendremos que pagar de una manera u otra.
• Medios tradicionales en la red. Arrastran consumidores de información que recién entran en contacto con la red a través de ellos. A la vez, se encuentran en un mundo que lleva sus años en el medio y tiene otros estándares de exigencia. Éste es un campo ideal para los community managers, porque la comunidad está ya hecha, y hay que encaminarla. Para forjarlas, preferiría un enfoque de marketero.
• Democracia y libertad de expresión en la red. La tenemos, y a veces demasiado y de forma inmerecida. El relativo anonimato parece tentar a muchos a ataques e insultos en las secciones de comentarios, redes sociales y blogs y, para colmo, ganarse el apoyo de otros. Ahora no lo sentimos, pero sin un uso responsable de las herramientas en línea vamos a obligar a poderes superiores a imponernos las restricciones. La moderación desde adentro puede ser la respuesta. Aprendamos de los foros.
• Control y privacidad en la red. Que nadie se confíe y no se diga más de lo necesario. En épocas en que los cambios pueden ocurrir de la noche a la mañana y nadie se preocupa de verdad en leer los términos de uso, lo mejor es publicar información con prudencia. Eso también significa oportunidades para implementar garantías al usuario, un aspecto en el que sí sería positiva la intervención de los gobiernos.
• En cuanto a las plataformas móviles, vemos que el desarrollo y la información le ganan a los proveedores de servicios de telecomunicaciones. Los países en desarrollo tienen muchos más teléfonos celulares que computadoras. Si tener conectividad deja de verse como un lujo (o sea, cuando se cansen de vender iPhones y Blackberries), y se abren servicios a equipos menos avanzados, se abren el mercado móvil y sus posibilidades a las grandes masas. La cosa sería que retribuyan de algún modo el costo de ello.
• El correo electrónico. Junto al chat en su forma más básica, es uno de los modos más antiguos de tener comunicación bidireccional y un sobreviviente. Está centralizado en proveedores que te ofrecen servicios adicionales, como mensajería instantánea, grandes espacios de almacenamiento, aplicaciones, comunidades, etc. Es cada vez menos frecuente y mucho menos deseable tener un correo corporativo, limitado y con interfaces desactualizadas. Las empresas deberían optimizarlos o dejar de destinar recursos a sostener un mecanismo que parece más de control que de trabajo.
• Introducción de la campaña política en Internet. Steve Jobs y Barack Obama (el candidato) compartían el fenómeno llamado Campo de Distorsión de la Realidad. Podían decir todas las historias vendedoras que quisieran y las comunidades en línea los seguirían. Desconozco el peso real que tendría una campaña con respaldo en la Red para las próximas elecciones. Su llegada a la fuerte presencia de periodistas en las redes sociales, y eventual filtración a cómo enfoquen su cobertura en los medios masivos, es su mayor fortaleza. El peligro es tener un candidato con CDR que luego no sea capaz de responder a las expectativas.
• Y por último, pero no menos importante, la conexión a Internet. Para tener una red de prosumers, hay que facilitarles las cosas. Bastante trabajo ya es producir videos, editarlos, retocarlos un poco, tal vez tener que cambiarles el formato o musicalizarlos, como para tener que pasar por el calvario de subir un video de 10 minutos, con un total de 100MB, en 12 a 14 horas. Ni hablar si queremos subir algo en HD.

Eso es lo que tengo que comentar para el Día de Internet este año. En 4 días, 30º Aniversario de El Imperio Contraataca, y en 8, V Día del Orgullo Friki.

El prodigio vocal y escénico metalero llamado Ronald James Padovana, y mejor conocido sólo como Dio, pasó a la presencia del Creador este domingo 16 de mayo del 2010. Personalmente no he podido seguir la trayectoria de Black Sabbath para hablar con autoridad de la importancia de RJD en el mundo del heavy metal. A pesar de haber escuchado a Rainbow previamente en alguna antología, desconocía la historia de la banda hasta que, gracias a Tenacious D in The Pick of Destiny, tuve nombres y pistas que seguir. De ahí que sí haya logrado escuchar esto:

En Pick of Destiny, inspirando juventudes junto a Jack Black y Meat Loaf.

No hace falta ser un erudito del rock para reconocer que un grande nos ha dejado.

¡Long live, Rock & Roll!

El checklist para Civil War incluía 96 números sueltos

En el mundo comiquero contemporáneo existe la denominada “fatiga de eventos“, que se empezó a notar alrededor de Civil War y World War Hulk (2007-2008), por su parte, y con Infinite Crisis y Final Crisis por el lado de DC, más o menos por la misma época. No tengo la cronología de los eventos de DC, pero en el caso de Marvel la seguidilla de eventos se remonta a Avengers Disassembled (2003-2004).

En el último año hemos tenido Blackest Night y Dark Reign/Siege, que están terminando estos días. DC ya anuncia la maxiserie Brightest Day, y se supone que la Heroic Age de Marvel anuncia un tiempo de relativa calma.

El empuje del crossover, una historia que reúne personajes que aparecen en diferentes publicaciones para ofrecer un producto novedoso, especial, y aumentar las ventas, se justificaba durante la última década bajo una idea de impacto. Lo que ocurriera en el crossover debería cambiar de manera significativa y duradera el mundo de nuestros héroes, cambiar el status quo para hacer que valga la pena apostarle tu dinero a una historia que abarca entre 20 a 80 números. El cambio también se hace necesario cuando se trata de mantener el interés sobre personajes que se llevan publicando hace más de 40 años y deben sentirse frescos y atractivos para el público.

Sin embargo, el uso consecutivo de esta estrategia provocó cierto escepticismo, agotamiento y empobrecimiento del público. A la par, constantemente interrumpe el flujo de las historias individuales cada 6 o 9 meses, entre que terminaba un evento y empezaba el otro, dejando ventanas pequeñas para que los escritores llevaran a cabo sus planes particulares, o generando cómics adicionales paralelos a la serie regular durante la publicación del evento.

Keith Giffen demostraría, en un momento donde los crossovers se estaban inflando más allá de lo prudente, que era rentable mantener los eventos pequeños, autocontenidos. Su plato de petri se llamó Annihilation, y sirvió para revitalizar al repertorio de personajes cómicos de la editorial. El experimento fue tan exitoso que desde entonces el evento cósmico se ha repetido ciclicamente y con éxito bajo la batuta de Dan Abnett y Andy Lanning (DnA), incluyendo el desarrollo fluido y críticamente aclamado de series como Nova, Guardians of the Galaxy y la historia de los Inhumanos. En otros rincones del Universo Marvel se probó este tratamiento, como en Black Panther con Doomwar y la familia de títulos de los X-Men con la Trilogía del Mesías y Necrosha.

Esta movida se asemeja a lo que hizo Joe Quesada cuando entró como editor de la entonces nueva línea Marvel Knights. En 1998, Marvel asigna a su empresa, Event Comics, la publicación de un conjunto de series orientadas a un público más maduro. Personajes como Black Panther, Daredevil, Moon Knight, Punisher y los Inhumanos encontraron un lugar dónde crecer, apartados de los estándares del cómic superheróico falto de ideas de finales de los 90′s. Y es con esta misma “familia” de personajes, con este rincón callejero, de vigilantes violentos y malhablados, que se desarrolla un nuevo evento para los próximos meses.

Los próximos meses (y me parece un buen momento para volver a seguir las peripecias de Matt Murdock y su alter ego cornudo) se avecina Shadowland. Orquestado por Andy Diggle, se trata de la reacción de los héroes callejeros de Nueva York a la posesión que el Hombre sin Miedo se hizo del culto ninja de La Mano, una medida desesperada que Daredevil tuvo que realizar para neutralizar a sus enemigos encarnizados y convertirlos en una fuerza paramilitar de orden dentro de Hell’s Kitchen en el Reino Oscuro de Norman Osborn. A falta de bandos claramente definidos, todos desconfían de todos.

Lo que tiene de atractivo este Shadowland, aparte de parecer una Civil War de vigilantes callejeros, es su paralelismo histórico con el argumento original de la serie Marvel Knights. En ella, un grupo de héroes que incluía a Shang-Chi, Moon Knight, Daredevil, Black Widow, Cloak y Dagger se reunía para capturar a Punisher, siempre considerado pro sus pares un individuo fuera de control y también guardando cierta simetría con el propio Daredevil.

Ahora Matt Murdock está en la mira de una “familia” de héroes que no sólo ha crecido en número sino en relevancia dentro del Universo Marvel. Aparecen personajes con un protagonismo renovado e introducidos con gran éxito al mainstream y al nuevo siglo/milenio como Iron Fist (en Immortal Iron Fist, con Fraction, Brubaker y Swierczynski), Luke Cage (mascota de Bendis en Alias y New Avengers), Spider-Man (Amazing Spider-Man con Straczinsky y el Spider Braintrust), Punisher (Punisher: War Journal de Fraction, Punisher de Remender y PunisherMAX de Aaron), Moon Knight (Moon Knight de Huston y Benson y Vengeance of the Moon Knight de Remender) y Daredevil (Daredevil de Quesada, Bendis, Brubaker, Diggle).

Yo espero un Marvel Knights con esteroides, una bronca callejera de todos contra todos. Nada de rayos luminosos, hombres voladores ni máquinas omnipotentes. Sólo cuchillos, palos, balas, puños y shurikens.

Y va a ser alucinante.

Como contenido a secas, Kick-Ass es mucho más Millar que Vaughn, pensado en cómo lograr que el medio comiquero saque de sus casillas al público común y corriente, llevándolo a niveles de blockbuster hollywoodense y asociándose siempre a artistas que espectaculares como John Romita Jr., Steve McNiven y Bryan Hitch, capaces de materializar las alucinadas del escritor. En este caso se trata de la historia de Dave Lizewski, un adolescente demasiado normal a quien no se le ocurre otra manera de sobresalri que hacerse un “superhéroe”. A falta de poderes, decide ponerse un wetsuit, armarse con un par de cachiporras, y salir a pie a luchar con delincuentes comunes por las calles. Durante los próximos 100 minutos, más o menos, no le va bien.

La película responde perfectamente a la ultraviolencia realista que busca Millar, y hasta se podría considerar una caricatura a los géneros superheróico y de acción, en algún lugar entre las películas de The Naked Gun y Punisher: War Zone. Estamos hablando del mundo real, donde un muchacho se dedica a enfrentarse a la gente más peligrosa, y sin embargo no deja de tener un efecto casi cómico, desde un sentido del humor bastante oscuro. Es como ver un bloque de bloopers, pero quedándote después de la risa a ver que el otro todavía no se puede parar, y todo contextualizado en aspiraciones heróicas. La película es bastante fiel al material original en ese sentido, muestra el efecto de una vida violenta sobre seres humanos comunes y corrientes, sin llegar a ser un calco fiel de estilo o argumento ni perder el rumbo.

Vaugh diferencia muy bien los recursos y piezas que funcionan en 8 historietas de 22 páginas a intervalos mensuales de lo que cabe efectivamente en 117  minutos de película. Por momentos el orden de ciertas revelaciones no se corresponde al del cómic, pero todo termina encajando orgánicamente en el orden fílmico. Donde perdimos puntos de caracterización en la relación entre Lizewski y su padre, o cómo evolucionan y decaen las cosas entre Kick-Ass y Red Mist, ganamos el desarrollo de la historia paralela de Hit-Girl y Big Daddy. Donde deberíamos tener un giro sorpresivo o una página doble de Romita Jr., viene un dato adelantado o una entrada distinta que mantiene la atención sin opacar el gran final (así que, no lanzallamas, pero no lo extrañarán).

Sabiendo que lo que queremos es ultraviolencia, secuencias de lucha sin barreras, acción rápida e impresionante, Vaugh se contiene lo suficiente, y aunque puede darnos un Terminator, un Rambo o un Kill Bill (aunque la Hit-Girl de Chloe Moretz tiene sus buenos momentos entre Beatrix Kiddo y Go-Go Yubari), no porque no pudiera sino porque la historia no permite tanta virtuosidad marcial para el pobre de Aaron Johnson. Es necesario este planteamiento historia-impacto-historia-repetir para darnos a entender que la cosas ocurren en nuestro mundo, y las consecuencias están ahí, a pesar de que los tipos andan por ahí vestidos en látex colorido y hay una niña por ahí rebanando miembros de mafiosos a katanazos y soportando balazos a quemarropa.

Nicholas Cage cumple su sueño de ser un superhéroe y hacerlo creíble, con un Big Daddy que comparte su entusiasmo por la vida de aventurero enmascarado, como una fijación insana y gracias a dios no tuvo que actuar ningún super poder. Tuvimos suficiente de eso con Ghost Rider. En cambio aquí es un Batman combinado con Punisher, con barba falsa e inagotables recursos cuando se pone el disfraz, y un papá bobalicón, con bigote de cepillo, lentes y malos chistes cuando se viste de civil. Y es por eso que Vaughn le da a esta historia más peso. Sólo Kick-Ass hubiera sido muy adolescente: chico-conoce-chica, chica-ignora-chico, chico-hace-locuras, chica-se-fija-en-chico, chico-paga-por-sus-locuras, final feliz. En mi opinión, es el cruce, y el nuevo balance, de las cuatro historias principales lo que hace que esta película, como historia, tenga una personalidad propia y supere la simplicidad de la propuesta. Y además, cabe en las dos horas.

A fin de cuentas, Kick-Ass es una película más compleja de lo que aparenta. Tiene no sólo el potencial, más bien la intención de ofender suceptibilidades, muy al estilo shock-value (Roger Ebert sabe muy bien de lo que hablo), y una vez superado es una crítica al culto a la violencia con la que se resuelven las cosas en los cómics, a la vez que lo homenajea y se ceba en el derramamiento de sangre. No pretende ser lo que Watchmen o Sin City debieron ser. No le corresponde. Esta es una bestia diferente y lo mejor es tratar de no encasillarla, porque tiene de todo y por montones.

Y si no te convences… FUCK CRIME! ¡VE KICK-ASS!

Es así como en Doomwar (o DOOMWAR, para hacerlo más ominoso), estas dos naciones chocan entre sí tras las sacudidas globales y los vacíos de poder producidos por la Invasión Skrull, el Acta de Registro Superhumano estadounidense, y la caída de S.H.I.E.L.D. como agente del orden global.

Vamos en orden y despacio. Para empezar, Doctor Doom estaba en el Infierno desde Unthinkable, en el 2003, donde intentó aprisionar a los hijos de Reed y Sue Richards de los Cuatro Fantásticos. Vuelve a la Tierra en el preludio a la Civil War por sus propios medios, siguiendo la trayectoria de Mjolnir, el martillo mágico de Thor, cuyo regreso estaba planeado en un principio como parte del crossover. En esta nueva encarnación, Doom asume una posición estelar como el máximo villano (megavillano, le llaman) del Universo Marvel, a ausencia de Kang, Ultrón o Loki. Durante los ultimos años Doom mantuvo constantes choques con los Cuatro Fantásticos, los Vengadores, Namor, Iron Man, Pantera Negra, etc.

Por estas épocas, Black Panther (T’Challa) abandona su vida de aventurero (en muchos sentidos) y se casa con la Mujer-X Tormenta, hija de una princesa keniana, ladrona infantil, lideresa de los X-Men y la nueva Reina Ororo. El motivo fue la necesidad de establecer una familia real para el gobierno monárquico y aislacionista de Wakanda, que había estado descuidado por las aventuras del heredero al trono. El valor estratégico de Wakanda reside en su avanzado nivel tecnológico y místico, décadas por encima del resto del mundo gracias a que evitaron los enfrentamientos tribales y la colonización europea que minaron a las naciones vecinas, además de disponer del preciado vibranium, capaz de absorber cualquier tipo de energía.

Como luna de miel, T’Challa y Tormenta se embarcan en un tour mundial para definir sus relaciones con otros gobernantes superhumanos, como Namor de Atlantis, Blackbolt de los Inhumanos, Tony Stark en los Estados Unidos y Doom en Latveria. Es aquí donde se plantan las semillas del conflicto. Mientras tanto, la pareja real se pasaría unos meses asilados en el Edificio Baxter, reemplazando a los Richards como parte de los Cuatro Fantásticos tras la Civil War. Destacamos a Walter Declun, el ex mandamás de Damage Control, y uno de los principales beneficiarios del conflicto superhumano, quien es rescatado por Doom después de que Wolverine casi lo mata en su investigación del causante verdadero del incidente de Stamford.

Ya adentrados en los tiempos después de la Invasión Skrull, y habiendo repelido con éxito a los alienígenas, T’Challa acude al llamado de Doom para discutir asuntos de Estado en su castillo de Latveria. Como en cualquier reunión en el castillo de Latveria, termina en una emboscada donde los Doombots acaban con las guardaespaldas de T’Challa y dejan al monarca gravemente herido. Debido al cabal formado por Norman Osborn, Doom, Loki, Emma Frost y Namor, la nación africana no tiene quien le eche una mano en el instante. La inestabilidad política de tener un rey incapacitado lleva a Tormenta y el resto de la corte a hacerse cargo de una revuelta de disidentes, los Desturi. La hermana de T’Challa, Shuri, reconoce el daño moral de no tener una Pantera Negra y se somete, con dificultad, al rito y el juicio del Dios Pantera. En paralelo, T’Challa y Shuri viajan por el mundo reclutando aliados para su causa. Al no poder tener ayuda oficial de los X-Men, exiliados en la isla artificial Utopia, consiguen que Wolverine, Coloso, Nightcrawler y los Cuatro Fantásticos los apoyen, además de todo el ejército de guardaespaldas royales, las Dora Milaje. Luego se revelaría que Walter Declun, con su pericia en el mundo de los negocios y una logística truculenta, estaba ocultando todas las acciones y plantas de producción de Doom, haciendo cada movimiento hasta ahora irrastreable.

Todo detona cuando Doom decide atacar Wakanda, apoyado por su facción de simpatizantes en el pueblo y el ejército, y efectivamente tomar posesión del palacio, construido encima del reservorio de vibranium. Usando a Tormenta y los miembros de la corte como rehenes, se abre paso a través de las múltiples cerraduras. Y aquí es donde se pone bueno: Victor Von Doom se despoja de todas sus armas y posturas para revelarse tal cual al veredicto de Bast, el Dios Pantera, en la última prueba para acceder a la bóveda, una prueba de pureza. La exposición que logra Jonathan Maberry, con un Doom arrogante y seguro, enfrentando a una divinidad con la mayor claridad de las intenciones y demostrándole, en un discurso de verdad maquiavélico, la justificación de todos sus actos y la violencia cometidos para alcanzar su idea del orden: un futuro perfecto, bajo el poder de Doom, pero también el único futuro, entre miles que tanto Bast y Doom pudieron avistar con su magia, donde la humanidad se libraría de todas sus dolencias.

Una idea similar ocurría a finales de la primera serie de Exiles, una historia en la que un Doom no desfigurado había logrado el mundo utópico eliminando todos los impulsos de la humanidad. Pero lo que Chris Claremont, pasada su mejor etapa, no logró fue el sentido de soberbia del villano creyendo en su proyecto vital, reconociendo los daños presentes como necesarios para lograr su futuro ideal, una idea mucho más rica que el simple megalomaníaco que quiere “conquistar el mundo” (que también suele ser su caracterización regular). Y además, la gravedad de la situación, la vulnerabilidad y transparencia con la que el malo de la historia tiene que presentarse a un poder mucho mayor que él. Es muy diferente a lanzar un monólogo contra Reed Richards, el que siempre acierta cuando él se equivoca, Namor, el especímen físico perfecto, o Tony Stark, su rival en la guerra de armaduras. Ante todos ellos Doom tiene que pontificar, convertir cualquier diferencia en un combate de egos, y siempre guardarse un señuelo robótico, un arma escondida o una ruta de escape en caso de encontrarse en desventaja. Maberry usa esta prueba mística para convencernos de la sinceridad del discurso de Doom, y eso es un ejemplo de su maestría para convertir una historia que podría pasar desapercibida en el estudio más emocionante de las motivaciones del villano más sobreexpuesto de la década.

Doomwar se encuentra en este momento (abril de 2010) en su tercer número de seis. Así que el que está interesado todavía puede buscarla por el medio que pueda. Dependiendo de cómo se resuelva y se replique a la excelente exposición de Doom, me valdría la pena conseguir el TPB.

• Lo segundo, que compartir los bienes culturales es propio de la naturaleza humana. Ya sea por necesidad de expresión, reconocimiento, misticismo o con fines prácticos, todo lo que creamos como arte está hecho para que todos lo vean. Los creadores de máquinas de Rube Goldberg no preparan sus armatostes para que les estorben el paso en casa ni los ornamentos funerarios egipcios estaban bajo tierra por que no habían quedado suficientemente bien. Incluso actividades tan diferentes como organizar un museo y pinchar discos tienen en común la necesidad de compartir lo bello del mundo. Es más, la misma definición de “museo”, de acuerdo a Museos de México, es la de una institución, lucrativa o no, “al servicio de la sociedad y su desarrollo, abierta al público que exhibe, conserva, investiga, comunica y adquiere, con fines de estudio, educación y disfrute, la evidencia material de la gente y su medio ambiente.

• Si bien hay una diferencia enorme entre la institucionalidad de, por ejemplo, el Museo de Arte de Lima y una emisión que me nazca espontáneamente para hacer alarde de unos cuantos gigabytes de música y que yo quisiera lanzar al aire vía streaming o por antena, lo mismo podríamos decir entre este blog y El Comercio, por dar un ejemplo. Pero sabemos que cada uno tiene un producto único, un público pensado y que probablemente el más grande no satisfaga porque no está en su objeto de trabajo. Y si no somos conscientes de ello, hay que decirlo: hoy en día la red nos permite estar en las mismas condiciones de acceso (no de publicidad ni reputación, por suerte para los pequeños), funciona como un soporte universal para todos nuestros contenidos, y ya viendo la cosa desde la perspectiva práctica, del público de a pie, está todo en Internet.

• No podemos replantear las condiciones de acceso de los bienes culturales si no podemos cambiar las condiciones de consumo o de lleno descartar la idea de consumo y de estos bienes como productos (¿qué serían, entonces?). El objetivo, a fin de cuentas, debería ser despojarlos de aquella ilusión de que a más ventas, mayor calidad y mejor consideración se le otorga a un determinado trabajo. La lógica nos debería llevar por el camino opuesto, el mérito antes de la difusión. Pero la mentalidad de industria obliga a incrementar los márgenes de ganancia gastando menos en la producción, salvo en los casos donde felizmente el valor artístico y el valor comercial coinciden, o donde los nuevos canales de difusión (reality TV, TV por Internet, video sharing, podcasting, ventas indie) dan vitrina y difusión a los talentos ignorados por la maquinaria, más enfocada en los medios de masas. Claro está, en los casos ajenos al mainstream la gran desventaja es la falta de rentabilidad y baja probabilidad (aunque existe) de realmente sobresalir partiendo de medios “alternativos”.

• Lo que nos lleva a pensar en el arte como medio de subsistencia al servicio del artista, no del distribuidor ni del productor (cuando sea aplicable). La experiencia peruana, primero en la música y ahora en literatura, es de aprender de la piratería antes de atacarla. Nos muestra la necesidad de mantener precios adecuados a la capacidad de gasto del público objetivo. Gran parte de la culpa de que los precios del material original no sean más razonables -en el plano general- recae en mantener en marcha a las personas a cargo de la producción, la distribución y la venta minorista, todos aquellos piezas del proceso que las doctrinas de trabajo do-it-yourself, (en creación, gestión y representación), el comercio electrónico y la prescindibilidad del soporte físico han debido ya dejar en el olvido. Sin embargo, toda esta parte del proceso duplica o triplica el coste verdadero de lo que el consumidor termina comprando. Y no sólo en música. El cine, la música y la literatura sufren al competir contra las versiones piratas, y el perjudicado final es el autor, que percibe una porción mínima de las ventas legítimas, que también vienen a ser pocas.

• Los canales de distribución, todo lo que ocurre desde que el producto, en disco, papel, film, bytes, ondas o pulsos eléctricos, abandona al autor y llega al público, dan por sentado su lugar en el mundo. Pero decir que están por desaparecer no es siquiera una proyección al futuro. Hoy existen los canales necesarios para contactar directamente con el público, y sólo falta simplificar (y hacer más seguro) el comercio en línea para que de verdad se generalice. Lo lamentable es que todavía resulta difícil a las audiencias más jóvenes, que suelen tener más interés en gastar en entretenimiento, no suelen tener acceso al crédito, necesario para realizar este tipo de transacciones (y los jóvenes adultos tienen más para gastar en lo mismo). Un sistema de crédito bajo control parental o prepagado podría resolver el asunto, si alguien encontrara la forma de hacerlo funcionar. Probablemente toda la cadena de distribución tenga que revitalizarse solucionando las nuevas necesidades que pudiera traer un modelo así.

• La peor parte de todo este problema en nuestro país, y en muchas otras partes del mundo, es el poder de las sociedades de autores. Al menos de la manera en que han venido actuando, sólo ayudarán a preservar un modelo que debería ser obsoleto. Y es perfectamente natural que un organismo en peligro trate de defenderse. Lo que también es natural es que el organismo que lo reemplace demuestre ser lo suficientemente fuerte para que valga la pena la extinción de la especie que está desplazando. No podemos permitir que un APDAYC en Perú o una SGAE en España, por decir los ejemplos que recuerdo, nos cierren por la vía legal oportunidades para seguir experimentando y compartiendo material. Los defensores del P2P y el file sharing deben mostrarse a la altura para defender proactivamente ante los gobiernos una nueva era en el uso y el alcance de los bienes culturales, y replantear todo el aspecto comercial a favor del autor y del consumidor por igual. Sí, eso significa que tendremos que seguir pagando. Pero estaremos pagándole a las personas correctas.

• ¿Deberia haber regulacion del file sharing para evitar perjuicios reales a los autores? Como consumidores debemos eventualmente asumir una cierta responsabilidad. En términos actuales la idea parece imposible. Hoy un chico de 15 años no puede esperar que todos sus amigos tengan los 15 o 20 dólares necesarios para comprar el último disco de GreenDay. Pensemos en tres o cuatro álbumes que merezcan la pena comprar y salgan a la venta el mismo mes. En términos de Perú, son 180 soles que se quedan sólo en la tienda de discos, sin contar libros, diarios, revistas, DVDs y entradas al cine. En cambio, 12 chicos pueden adquirir cuatro veces ese material, compartirlo sólo entre ellos y gastar un tercio. Si sólo usamos los tracks que sí les van a gustar (un 50%, siendo generosos), pagar por los MP3 quedaría en una sexta parte. No compran todos los chicos lo mismo, aunque sí comparten los contenidos. Como incentivo, la facilidad de la transacción facilitaría la repetición de la compra y la posibilidad de que se convierta en un hábito más que en un gustito ocasional.

Unos enlaces que tenía guardados:

• Cambio social.
• Distribución Indie.
• No soy delincuente.
• Útero.pe vs. Massé.
• La Mula.
• Desde el tercer piso.
• Industrias culturales y redes digitales (PDF).

Yo amo la tele. Para bien y para mal, le debo quién soy a la tele. La única persona ficticia con la que me podría sentir identificado en este sentido es Martin Tupper, de Dream On:

Es cierto que existe la televisión basura. Menos verificable puede ser que es lo más fácil de encontrar y que consumirla en grandes cantidades te puede volver idiota. Aún más difícil de comprobar científicamente es la posibilidad de estar predispuesto a la estupidez o la brillantez, y que esta condición supere a todos los intentos del entorno (padres, educación, productos culturales, círculo social) de llevar al sujeto por otro camino. Mi teoría es que, en muchos casos, la gente le atribuye a cualquier agente externo sus propias fallas en el cuidado de los hijos o sus mismas carencias. Como en South Park: Bigger, longer & uncut, las personas tienden a esperar que la escuela y los medios se hagan cargo de toda la educación de sus hijos, porque no tienen nada de experiencia y están demasiado absorbidos en sus propias vidas como para preocuparse por vigilar los contenidos que consumen los pequeños, y sobre todo, porque no se les cruza por la cabeza que es su papel enseñarles a asimilar o procesar toda esa información.

Me parece que echarle la culpa a la tele de los males del mundo es un error muy frecuente y difundido, al punto que, hasta donde me pareció, lo cometían dos periodistas a quienes respeto mucho por su personalidad y su trabajo. Pero la injusticia está en no considerar toda la potencialidad educativa de la tele, toda la capacidad de muchos productos de consumo para referenciar otros productos culturales. Si hubiéramos tenido a disposición un “contador de visitas”, las columnas, revistas o secciones de Yerovi habrían hecho picos cada vez que aparecía en la tele, así como Giacosa o Denegri referirían (linkearían) a una tonelada de literatura de lo más diversa cada uno. Pero claro, no son funciones inherentes al medio, sólo son formas de usar el medio.

Como Martin Tupper, yo contaba con la televisión para entretenerme mientras mis viejos tenían que trabajar. Y lo agradezco porque con cada programa, desde lo más tonto, pude tener mis primeros contactos con trabajos que definirían mis gustos en el futuro. Desde el Chapulín Colorado con sus adaptaciones de cuentos, obras de Shakespeare, la clásica historia del cine abandonado; Pato Aventuras fue una ventana hacia las historias de aventuras, Julio Verne, las películas de Indiana Jones; y ni hablar de la barbaridad de referencias a la cultura pop de Tiny Toons y Animaniacs.

Estamos hablando de productos muy accesibles, digeribles a una edad temprana y un poco más, que realmente tienen más capacidad de llamar la atención del niño sobre ese tipo de personaje, ese tipo de historia, esa emoción en particular, y lo que el chico necesita es saber que están en otros soportes donde los puede volver a disfrutar de formas más duraderas y con un desarrollo más completo que una caricatura de 10 a 20 minutos. Pero la escuela puede meterse hasta cierto punto en lo que hace y ve el niño en casa. Los medios no tienen el espacio ni está en su propósito explicarles todo el rollo detrás de sus dibujos. Ese es un ejercicio que se debería llevar desde casa, y reforzarse con versiones también ultraligeras de los cuentos. Requiere compromiso, requiere constancia, pero ese es realmente el trabajo del padre.

Les Miseranimals de Animaniacs, o Les Miserables de Dumas en 6 minutos y algo.

Reconozcamos, así como existen drogas de iniciación, más blandas, de menor impacto y que eventualmente llevan al consumidor a sustancias más fuertes, que también contamos en nuestro contexto cotidiano con productos culturales de iniciación, muy llamativos y ligeros de contenido que pueden permitirle a una persona entrar en contacto con las grandes obras del cine, la música y la literatura, y poder barajar con relativa rapidez géneros y autores hasta encontrar su favorito (en lugar de verse agobiado por libros impasables de un plan lector estandarizado, por ejemplo). La oportunidad está ahí, sólo hay que saber usar el medio como herramienta, aprovecharlo, y esperar que tengas un conejillo de indias con una la suficiente materia gris para que la semilla pegue. Pero por favor, no apagues la tele. Hay mucho por hacer en ella y hay mucho por descubrir, si tan sólo observas con atención.