• Lo segundo, que compartir los bienes culturales es propio de la naturaleza humana. Ya sea por necesidad de expresión, reconocimiento, misticismo o con fines prácticos, todo lo que creamos como arte está hecho para que todos lo vean. Los creadores de máquinas de Rube Goldberg no preparan sus armatostes para que les estorben el paso en casa ni los ornamentos funerarios egipcios estaban bajo tierra por que no habían quedado suficientemente bien. Incluso actividades tan diferentes como organizar un museo y pinchar discos tienen en común la necesidad de compartir lo bello del mundo. Es más, la misma definición de “museo”, de acuerdo a Museos de México, es la de una institución, lucrativa o no, “al servicio de la sociedad y su desarrollo, abierta al público que exhibe, conserva, investiga, comunica y adquiere, con fines de estudio, educación y disfrute, la evidencia material de la gente y su medio ambiente.

• Si bien hay una diferencia enorme entre la institucionalidad de, por ejemplo, el Museo de Arte de Lima y una emisión que me nazca espontáneamente para hacer alarde de unos cuantos gigabytes de música y que yo quisiera lanzar al aire vía streaming o por antena, lo mismo podríamos decir entre este blog y El Comercio, por dar un ejemplo. Pero sabemos que cada uno tiene un producto único, un público pensado y que probablemente el más grande no satisfaga porque no está en su objeto de trabajo. Y si no somos conscientes de ello, hay que decirlo: hoy en día la red nos permite estar en las mismas condiciones de acceso (no de publicidad ni reputación, por suerte para los pequeños), funciona como un soporte universal para todos nuestros contenidos, y ya viendo la cosa desde la perspectiva práctica, del público de a pie, está todo en Internet.

• No podemos replantear las condiciones de acceso de los bienes culturales si no podemos cambiar las condiciones de consumo o de lleno descartar la idea de consumo y de estos bienes como productos (¿qué serían, entonces?). El objetivo, a fin de cuentas, debería ser despojarlos de aquella ilusión de que a más ventas, mayor calidad y mejor consideración se le otorga a un determinado trabajo. La lógica nos debería llevar por el camino opuesto, el mérito antes de la difusión. Pero la mentalidad de industria obliga a incrementar los márgenes de ganancia gastando menos en la producción, salvo en los casos donde felizmente el valor artístico y el valor comercial coinciden, o donde los nuevos canales de difusión (reality TV, TV por Internet, video sharing, podcasting, ventas indie) dan vitrina y difusión a los talentos ignorados por la maquinaria, más enfocada en los medios de masas. Claro está, en los casos ajenos al mainstream la gran desventaja es la falta de rentabilidad y baja probabilidad (aunque existe) de realmente sobresalir partiendo de medios “alternativos”.

• Lo que nos lleva a pensar en el arte como medio de subsistencia al servicio del artista, no del distribuidor ni del productor (cuando sea aplicable). La experiencia peruana, primero en la música y ahora en literatura, es de aprender de la piratería antes de atacarla. Nos muestra la necesidad de mantener precios adecuados a la capacidad de gasto del público objetivo. Gran parte de la culpa de que los precios del material original no sean más razonables -en el plano general- recae en mantener en marcha a las personas a cargo de la producción, la distribución y la venta minorista, todos aquellos piezas del proceso que las doctrinas de trabajo do-it-yourself, (en creación, gestión y representación), el comercio electrónico y la prescindibilidad del soporte físico han debido ya dejar en el olvido. Sin embargo, toda esta parte del proceso duplica o triplica el coste verdadero de lo que el consumidor termina comprando. Y no sólo en música. El cine, la música y la literatura sufren al competir contra las versiones piratas, y el perjudicado final es el autor, que percibe una porción mínima de las ventas legítimas, que también vienen a ser pocas.

• Los canales de distribución, todo lo que ocurre desde que el producto, en disco, papel, film, bytes, ondas o pulsos eléctricos, abandona al autor y llega al público, dan por sentado su lugar en el mundo. Pero decir que están por desaparecer no es siquiera una proyección al futuro. Hoy existen los canales necesarios para contactar directamente con el público, y sólo falta simplificar (y hacer más seguro) el comercio en línea para que de verdad se generalice. Lo lamentable es que todavía resulta difícil a las audiencias más jóvenes, que suelen tener más interés en gastar en entretenimiento, no suelen tener acceso al crédito, necesario para realizar este tipo de transacciones (y los jóvenes adultos tienen más para gastar en lo mismo). Un sistema de crédito bajo control parental o prepagado podría resolver el asunto, si alguien encontrara la forma de hacerlo funcionar. Probablemente toda la cadena de distribución tenga que revitalizarse solucionando las nuevas necesidades que pudiera traer un modelo así.

• La peor parte de todo este problema en nuestro país, y en muchas otras partes del mundo, es el poder de las sociedades de autores. Al menos de la manera en que han venido actuando, sólo ayudarán a preservar un modelo que debería ser obsoleto. Y es perfectamente natural que un organismo en peligro trate de defenderse. Lo que también es natural es que el organismo que lo reemplace demuestre ser lo suficientemente fuerte para que valga la pena la extinción de la especie que está desplazando. No podemos permitir que un APDAYC en Perú o una SGAE en España, por decir los ejemplos que recuerdo, nos cierren por la vía legal oportunidades para seguir experimentando y compartiendo material. Los defensores del P2P y el file sharing deben mostrarse a la altura para defender proactivamente ante los gobiernos una nueva era en el uso y el alcance de los bienes culturales, y replantear todo el aspecto comercial a favor del autor y del consumidor por igual. Sí, eso significa que tendremos que seguir pagando. Pero estaremos pagándole a las personas correctas.

• ¿Deberia haber regulacion del file sharing para evitar perjuicios reales a los autores? Como consumidores debemos eventualmente asumir una cierta responsabilidad. En términos actuales la idea parece imposible. Hoy un chico de 15 años no puede esperar que todos sus amigos tengan los 15 o 20 dólares necesarios para comprar el último disco de GreenDay. Pensemos en tres o cuatro álbumes que merezcan la pena comprar y salgan a la venta el mismo mes. En términos de Perú, son 180 soles que se quedan sólo en la tienda de discos, sin contar libros, diarios, revistas, DVDs y entradas al cine. En cambio, 12 chicos pueden adquirir cuatro veces ese material, compartirlo sólo entre ellos y gastar un tercio. Si sólo usamos los tracks que sí les van a gustar (un 50%, siendo generosos), pagar por los MP3 quedaría en una sexta parte. No compran todos los chicos lo mismo, aunque sí comparten los contenidos. Como incentivo, la facilidad de la transacción facilitaría la repetición de la compra y la posibilidad de que se convierta en un hábito más que en un gustito ocasional.

Unos enlaces que tenía guardados:

• Cambio social.
• Distribución Indie.
• No soy delincuente.
• Útero.pe vs. Massé.
• La Mula.
• Desde el tercer piso.
• Industrias culturales y redes digitales (PDF).

Y como lo que nos importa son las tías, el video oficial de Satisfaction:

Como un detalle anecdótico, esta versión se hizo porque el videoclip original era demasiado monse y no vendía. Buena elección.

[youtube=http://es.youtube.com/watch?v=FaBjtdMnQ1k]

[youtube=http://es.youtube.com/watch?v=0ARX4JOE7LU]

Éxito de aquí hasta el lunes.

Hay muy poca gente

El hombre delgado que no flaqueará jamás

Jules De Martino y Katie White se conocieron en la Leeds University, en West Yorkshire, Inglaterra. Que es como decir Mordor, porque no tengo mayor idea de la geografía británica. White pasó de un entorno rural a integrar una girl band llamada TKO, apoyando a grupos como Steps o Five. Five fue probablemente la única boy band decente de la historia, así que se le perdona. De Martino, más citadino y con algo formación artística a nivel académico, había pasado por bandas cristianas e indies hasta que se mudó a Manchester y se reencontró con White y otro amigo, con quienes formaron el naufragio (des)conocido como Dear Eskimo.

Para el 2006 habrían pasado por la escena experimental y multiplataformas de Salford, donde cruzaron energías, como los Cazafantasmas para matar a Zuul, pero con influencias alternativas y pop en lugar de rifles de protones. Aprendiendo de material vejo de los Talking Heads, Velvet Underground o Smiths, empezaron a trabajar letras y a repartir e intercambiar roles. Con ella en la guitarra y él en la batería, fueron construyendo The Ting Tings, un pop británico pegajoso y potente, que se zurra en el estilo del mainstream y se deja reconocer enseguida. Otra cosa es tratar de definirlo en sí mismo. A veces parece que en Franz Ferdinand se robaron a Charlotte Cooper de Subways, o The Knack fusionado con Yeah Yeah Yeahs.

O se lo podemos dejar a Michael Endelman de Rolling Stone:

Este dúo británico tiene actitud punk. Pero –shh, no se lo digan a nadie- los Ting Tings son estrellas pop. Tanto la cantante y guitarrista Katie White, como el baterista Jules De Martino, solían tocar en grupos teen pop de segunda línea. Sus primeras experiencias obviamente los resintieron contra la industria discográfica: De Martino admitió que el contundente single “Shut Up and Let Me Go” era una canción sobre la ruptura con su anterior sello, no sobre un antiguo amor. Esos años de formación, sin embargo, también les proporcionaron un instinto entrenado en estribillos pop pegadizos, lo cual explica probablemente por qué Apple eligió “Shut Up” para su reciente publicidad de iPod. En su disco debut, los Ting Tings crean un sonido new wave implacablemente vital: “That’s Not My Name” es una canción al estilo Toni Basil pero con cadencia punk-funk; “Be the One” suena como Blondie, y “We Started Nothing” combina un ritmo cortante con vientos souleros. Los Ting Tings meten la suficiente cantidad de guitarras desprolijas, letras girl-power y toques subsónicos de Moog para darle a We Started Nothing una cierta cualidad arriesgada. Pero es sólo la fachada: un disco que es tan disfrutable como cualquiera de Gwen Stefani o Kylie Minogue no necesita credenciales indie.

Como el embebido de los videoclips está bloqueado, dejo algunos singles para que cada uno saque sus conclusiones: Great DJ, That’s not my name y Shut up and let me go (también disponible en vivo).

Más por aquí.

De acuerdo a la web ya se preparan presentaciones promocionales en Lima y Trujillo (por las tiendas de Phantom, supongo). Aunque en Adonde.com veo más carnecita para enterarnos:

La nueva producción se llama “NO TE SALVES”, título inspirado en un poema revolucionario del poeta y escritor uruguayo Mario Benedetti, y marca un antes y un después en la carrera de este músico, quien se iniciara en la vanguardia musical de Lima, su ciudad natal, y que formara parte de las más importantes bandas del underground y del RockPop en el Perú (Narcosis, Eructo Maldonado, Micky Gonzáles, La Liga del Sueño…), al margen del su desarrollo en paralelo como actor (Pataclaun, Ciudad de M, Mayúmana).

La producción del álbum se ha realizado entre Lima y Madrid y ha corrido a cargo del propio Pelo, y su lanzamiento está programado para el mes de setiembre a través de la disquera peruana Phantom Records.

(…) El single nos adelanta un giro a nivel conceptual y estilístico, quizás una vuelta a la raíces underground de Pelo, en un álbum que sorprenderá por su contenido y personalidad, y que sin duda sigue muy fielmente lo que la misma letra de la canción sugiere: “es hora de arriesgar un poco más, buscar la verdadera libertad, oír las voces de esta soledad…es hora de mostrar un poco más, abrirnos las entrañas, enseñar lo que llevamos dentro sin privar…”

Premio al que encuentre un pedazo de periódico o revista con el texto íntegro. Ahora habrá que esperar a tener el disco en tiendas. Que ya tenemos varios cortes colgados en el MySpace de Pelo, así que nada de que “me bajo 11 de los 12 temas primero y si me gusta lo compro”. Colabora, sé consciente *guiño* *guiño*.

Como si vieras de repente a R.E.M. cantando Furry Happy Monsters (Shiny Happy People, aparentemente los Muppets también eran primos de los Pokémon) con una Kate Pierson muppeteada, como si todos estuvieran hasta las orejas de antidepresivos:

Ya quisiera la Pierson verse así a estas alturas

O algo que supongo la rana René nunca le habrá contado a Espinete. Cuando Alice Cooper se dio una vuelta por el show:

¿A alguien más le da esto un aire a Gremlins 2?

A la inversa, tenemos Keep Fishin’ de Weezer, con los Muppets en teoría de invitados, pero robándose el show de todas formas. Y está tambien la aparición especial de los Smashing Pumpkins:

Me gustan más Penn & Teller

Los videos vienen de aquí, y hay como dos canciones más y algo de teoría del crossover.

Lucy in the Sky with Diamonds, y ve tú cuándo fue y si todavia
producen esa vaina que se metieron los de la animación

Cantanto Rocketman en tres posiciones, tres tamaños, tres actitudes
y tres estados etílicos a la vez en los Sci-Fi Awards del ’78

En el tributo de la AFI a George Lucas el 2005

Cantando Common people de Pulp en el show de Jay Leno

Todo funky en Conan O’Brien

Y ojalá tuviéramos más trenes. Es una huevada pedir un deseo cada vez que pasa la 43.

Todo esto viene a lugar porque el Telegraph británico ha declarado a Highway to Hell entre las canciones más solicitadas en funerales en Australia. Otras de las más ranqueadas en el Centennial Park de Adelaide son Stairway to Heaven de Led Zeppelin, My way de Frank Sinatra, Wonderful World, versión Louis Armstrong, Always Look on the Bright Side of Life de la película Life of Brian de Monty Python, Ding Dong the Witch is Dead del Mago de Oz, Hit the Road Jack en sus múltiple versiones y Another One Bites the Dust de Queen. En realidad temones, que de acuerdo a las autoridades del camposanto funcionan mejor que los clásicos himnos “porque representan el carácter de la persona”. Voy viendo qué me pido.

Highway to Hell

Always look on the bright side of life

Hit the road Jack

Visto en Noticias Locas.

Katy Perry, cantautora californiana y por momentitos actriz. Empezó grabando un disco gospel en el año 2001 bajo el nombre de Kathy Hudson. Conoció a Queen y no volvió a ser la misma. Otras influencias reconocidas: Beach Boys, Heart, Joni Mitchell, Paul Simon, Alanis Morrisette, Imogen Heap, Gwen Stephanie, tu mamá y más. Después de hacer de vocalista por aquí y por allá y rebotar de varias disqueras, saca One of the boys, y lo mejor de todo: el single y video I kissed a girl:

No hay que perderse su videoblog.

Gracias a Julito por el dato.
La Perry está como se quiere.

La original de Nick Lowe

El cover de Letters to Cleo
(es un fanvid, pero tiene a Julia Stiles y Heath Ledger por todas partes, así que pone)

Nótese que en el video de Lowe aparece con su esposa Carlene Carter, cantante country e hijastra del Hombre de Negro, Johnny Cash. Bienvenidas las reinterpretaciones y relecturas de la canción.

P.D.: Mil disculpas si he estado algo disperso en los últimos posts. Tenía la idea de suspender el blogueo pero acabé haciendo algo más ligero pero probablemente también con menos nivel. Punto a favor: ¡estamos en el post número 299!

Los malos hábitos son los más difíciles de dejar. Pero cuando hay algo que compartir, hay que hacerlo. ¿Hasta dónde es explotable el concepto de videos virales y de YouTube? Precisamente, ¿estamos aplicando ahora el exploitaiton a la cantidad de holgazanes que, como tú y como yo, se la pasan haciendo tonterías en el Internec? No lo sé, pero mientras funcione y no sature como los realities, pienso difrutarlo. En su momento Fatboy Slim hizo su jugada a manera de intervención callejera y usando video casero, lo que pudo o no haber influido en OK Go con sus coreografías de bajo presupuesto, sencillas, espectaculares y efectivas. Los RHCP dieron otro paso al llevar a la gente a protagonizar un videoclip como si fueran la banda. Me atrevo a declarar que este video de Weezer le da un giro refrescante al meter a la banda a hacer las mismas cosas que la audiencia. Vamos, como hicieron Nirvana y Weezer (dos veces) con la tele, pero en entorno YouTube. Claro está, las referencias vienen de acuerdo a lo primero que pude recordar, si alguien quiere llenar los agujeros en la historia, bienvenido.

Mientras tanto, Pork and beans, presentado por la mismita banda.

Ver el post original

Si vienes por acá te vas a enterar de que Memo Aguirre, alias Capitán Memo, estaría posando su humanidad y las de su banda en escenarios limeños el próximo mes. Hasta ahí todo bien. La economía del país es una maravilla de fachada, atraemos inversionistas, diplomáticos/turistas, y artistas extranjeros que van desde Belinda hasta Deep Purple, incluyendo al susodicho Capitán. Sólo nos falta clasificar al mundial para creer que Alan ya nos mató a todos y llegamos al Cielo.

Pero no. Resulta que el señor Aguirre no es ni más ni menos que el compositor y ejecutor de probablemente todos los temas de entrada de series de dibujos animados de los ochentas que seas capaz de recordar en la siguiente semana (unas 26, al menos en discos). A estas alturas regresan a la mente recuerdos nostálgicos de lo paja que eran esas series, como influyeron en la infancia de uno, y de la laringe sale algo que quiere ser un tarareo de He-Man, El Rey Arturo o Capitán Futuro. Lo que me inquieta es por qué hay gente que está esperando con un mes de anticipación a alguien que está a un paso por encima del compositor de jingles. ¿Acaso no se dan cuenta de que, aparte de que la técnica de animación era deficiente y misia, las letras eran cojudísimas, y por último, traducciones del japonés, que tampoco es un idioma que suelte precisamente joyas musicales?

Hay todo un rollo nostálgico detrás de estos temas, lo sé. Incluso disfruté del disco de Tributo a la niñez, que versionaba muchas canciones adaptadas por Memo Aguirre, con el plus de actualizarlas con el estilo de una muy buena selección de artistas y bandas nacionales. De momento los videos no me cuentan nada nuevo. No estamos hablando de los Doors originales, es un jinglero que aprovecha mientras lo vintage siga de moda para cobrar por un trabajo de hace 20 años. No iriía a su concierto. Pero no me molestaría que me muestre algo que me haga cambiar de opinión.

BONUS: ¡Exportado en calidad de locura!

Duda: ¿Es este el primero o segundo video oficial del disco? Lo digo porque en diciembre tuvimos este, para la graduación de Comunicación en la Udep. Pero Sin título salió antes que el disco… ¡Me confundo!

Recuperamos el viernes de relajo con un motivo musical. Tías buenas… se hizo lo que se pudo esta semana. Para arrancar pachanguero el fin de semana. No se olviden de actualizar sus teléfonos celulares, que mañana entran en vigencia (o así cuenta la leyenda).

Sabes mi número

Hablándole a la pared

Más de lo que imaginas

Chovopre… oh-ió-ió.

Queens Of The Stone Age – 3′s & 7′s

The Killers – All these things that I’ve done

Emil Bulls – Take on me

Ok, aquí reconozco que se me acabaron las ideas,
¿a alguien se le ocurren más?

Suburbia, el susodicho video de las 7 a.m.

Y otro clásico, What have I done to deserve this?, en vivo

Y un par de recomendados extra: Jealousy, excelentes tema y video, y Don’t know what you want but I can’t give it anymore, al menos para mí, sobre la relación de la banda con su público y el mundo de la música y la reinvención por la que pasaron para recibir el nuevo milenio. Buen fin de semana.